"This is not the sound of a new man or a crispy realization. It's the sound of the unlocking and the lift away. Your love will be safe with me."

jueves, 22 de diciembre de 2011

¿Villanos, héroes o seres humanos?


La respuesta fue: quizá. Respuesta que elevó los párpados presentes. Sin duda, era una palabra que contraía a la pregunta ¿matarías? A la cual, la mayoría del personal presente había respondido con baños de pureza, aversión, humanismo; nadie se atrevía a afirmar lo que aquel joven, de aspecto severo, barbado y taciturno, había arrojado al aire, como si fuera cuestión de azar, no de moral.

Las miradas entre sí no podían faltar. Trataban de buscar entre ellos una explicación, un ápice de razón en aquella respuesta. Al ver eso, el joven, cuyo pensamiento defendía su antipatía sobre el régimen y hábitos que existen en la sociedad actual, se preparó para reforzar su posición.

Es simple. -Dijo con tranquilidad- Las acciones se deben a su entorno. No podría responder negativamente ni afirmativamente a la pregunta en la posición correspondiente. Estoy en medio de una cena y sería aventurado cualquiera de las respuestas. Mi objetivo no es quedar bien ni hacer del chico malo. -Todos lo miraban atento. Sorprendidos y la vez pensativos. Sus palabras arrojaban lógica pero no era una imagen que querían recrear en su cabeza.

Piénsenlo bien, -continuó- el bien y el mal van de la mano. Se necesita un leve impulso para desatar toda su carga positiva/negativa. Cuántos de nosotros no hemos querido avalanzarnos contra alguien acérrimo, o matar a alguien guiados por un impulso o rencor; eso es la maldad. Lo malo aquí es que no siempre el bien se hace presente. La maldad nos pone en un lugar privilegiado, cómodo, que nos muestra lo inermes que somos. Así que, si mi respuesta fue quizá, es porque no niego mi discapacidad. -Concluyó-.

Unos inclinaron la cabeza, otros continuaron viéndose entre sí, o a él; en cualquiera de los casos, sus palabras habrían golpeado fuerte, habrían hecho recapacitar y preguntarse ¿qué es lo que realmente hay detrás? Que al final siempre es una buena recompensa. La cena continuó y el tema de conversación cambió. Suficiente melé por un día.

Porque bien decía Skinner:

"Las personas no merecen ni alabanzas ni críticas por lo que hacen. El entorno es el que controla la conducta, de modo que el bien y el mal, si es que existen, residen en él, no en la persona". Parafraseando a Shakespeare en Julio César: "La culpa, querido Bruto, es de nuestras contingencias de reforzamiento, no nuestra".

lunes, 19 de diciembre de 2011

Pablo Honey


  • Banda : Radiohead
  • Álbum : Pablo Honey
  • País : Inglaterra
  • Género : Post-Grunge

Últimamente los noventas han estado timbrando a mi puerta. Lo cual me causa satisfacción. Ya que en su momento no pude disfrutar la última gran década discográfica, ahora es el momento para volver a revivir lo que marco a una entera generación. Ahora llega a este su espacio, una de las bandas más representativas de la escena alternativa británica y mundial; nombrada por Rolling Stones en su lista "The Greatest Artists of All Times" en el puesto número 73 pero en el mío y de muchos, como número uno de nuestra desnudez.

No esa desnudez libidinosa, no. Una desnudez de despojo, de desechar todo aquella malaria o estorbo para continuar firmes y con aplomo. Vaya que lo he visto funcionar, lo hemos visto funcionar. Al igual que otra descomunal banda como Deftones, la creación de Radiohead viene en los ochentas; más concretamente en 1985. Sin embargo, no fue hasta principios de los noventas que su primera presentación oficial llegó, llevando por nombre "Pablo Honey". En esa etapa de su carrera eran desconocidos y no tocaban el Rock Alternativo distintivo; al contrario, su inclinación era más al Post-Grunge. No fue hasta "The Bends", dos años después, que su impacto llegaría; conquistando una cantidad mayúscula de fans en crecimiento augurable de éxito. Su siguiente movimiento "Ok Computer" de 1997 sería el definitivo establecimiento de Radiohead como una banda a dominar, llegando igual al sonido que hoy en día se le conoce.

Con la llegada del nuevo milenio, nuevas sensaciones y sucesos se escribirían en su carrera. "Kid A" dio el primer trompetazo al llegar con un sonido más electrónico, mismo caso que "Amnesiac" en 2001 & "Hail To The Thief" en 2003; una triada de álbumes que no menguó el favoritismo de los fans para con ellos. Un reposo de cuatro años es lo que siguió después de tan indiscutible reconocimiento, en el cual, Thom Yorke aprovechó para lanzar, apoyado por sus propios compañeros, su álbum como solista "The Eraser" en 2006 (anteriormente publicado aquí); una bomba igual de estentórea. Para 2007 volverían con una noticia que polemizaría a los medios en general: su disco "In Rainbows" sería gratuito, descargable desde su sitio web; para algunos una decisión inteligente, para otros una decisión comercial e incluso de retroceso; como sea, su álbum volvió a estar en el podio. Su último lanzamiento "The King Of Limbs" (del que traeré reseña próximamente), volvió a ser producido por ellos pero distribuido por XL Recordings y otras compañías.

"Pablo Honey"

¡Oh, el Grunge! Ni siquiera Radiohead se pudo escapar de su influencia e inspiración. Se podría decir que este álbum es primario en la transición del Post-Grunge, que dos años después Foo Fighters seguiría con su disco homónimo. Cuando "Pablo Honey" se da a conocer, todo mundo se pregunta ¿quién es Radiohead?; la pregunta sería a la brevedad respondida por un joven de 25 años de edad llamado Thom Yorke.

En Inglaterra, un quintento hacia que por un instante las miradas volvieran a la isla con su sencillo 'Creep'; la edificación del aislamiento. En América, se les comparaba con Nirvana, que en aquella época arrasaba; todavía sin que la desacertada noticia de suicidio refulgiera. Eran aún una banda taciturna con un álbum revoltoso que el tiempo situaría en sus vitrinas. Y que hoy lo sitúa en las mías.

Como bien dice la banda, "Pablo Honey" se asemeja a una recopilación de su era subterránea; que en ese momento estaba muy remoto a ser la piedra angular de su trayectoria. Bien podemos ver sus raíces en la débil producción, que no ayuda a presumir en su totalidad su despliegue, bien puedo encerrar 'Stop Whispering' & 'Blow Out' cuya flaqueza es notable mientras que se torna cómplice en 'Lurgee'. Provechosa ambigüedad. No obstante, contrario a la producción amateur, el empuje de la banda genera interés, como en 'You', 'Ripcord', 'Vegetable' & 'I Can't' que aunque la pesadumbre ronda las canciones, el coraje que al mismo tiempo impregnan hace patalear.

Quien también forma parte de la evolución y maduración es Thom Yorke, que aquí no nos sacude, posee o hipnotiza con su impoluta voz; sino que se la pasa ululando con pundonor. Sensibilidad siempre a tenido. Este álbum marca a su protagonista en Jonny Greenwood, guitarrista frontal, que bien lo demuestra en 'Anyone Can Play Guitar' desmostrando lo que no cualquiera puede hacer o 'Thinking About You' donde da uso de su guitarra acústica y órgano; y no sólo por éstas, a lo largo del álbum me hizo delirar y doblar. Un mito alrededor de él que seguro pocos conocen, según cuentan, es que trató de arruinar 'Creep' por el desagrado a la canción. Al final, terminó siendo más cetrina.

En Conclusión:

Si algo es difícil en la industria musical es comenzar un proyecto, proyecto que embarque tanto a los oyentes como a los interpretes en un viaje inolvidable y explicito; ambos desfondando el acumulado de emociones. Radiohead se lleva un diploma y reconocimiento honorífico en ese sentido. Su debut, desaprovechado en un inicio, es hoy de suma importancia; el primer paso que toda banda desconocida desearía.

  • Alineación:

    Thom Yorke – Vocalista
    Jonny Greenwood – Guitarrista
    Ed O'Brien – Guitarrista
    Colin Greenwood – Bajista
    Phil Selway – Baterista
  • Listado de Canciones :

    1. You 3:29
    2. Creep 3:56
    3. How Do You? 2:12
    4. Stop Whispering 5:26
    5. Thinking About You 2:41
    6. Anyone Can Play Guitar 3:38
    7. Ripcord 3:10
    8. Vegetable 3:13
    9. Prove Yourself 2:25
    10. I Can't 4:13
    11. Lurgee 3:08
    12. Blow Out 4:40
  • Destacadas : 1.2.5.6.7.8.10.11.
  • Calificación : 85

miércoles, 14 de diciembre de 2011

Diez mil puños


  • Banda : Disturbed
  • Álbum : Ten Thousand Fists
  • País : USA
  • Género : Metal Alternativo

Los noventas fue una década controversial. En un inicio con la aparición del Grunge, un género no muy bien recibido entre los fans del Rock y Metal que lo veían como una moda, un pretexto de una generación sin ton ni son. A mediados del mismo, el despegar de bandas de Metal Alternativo como Rise Against The Machine, System Of A Down, Deftones, Mudvayne, Disturbed, Linkin Park, Limp Bizkit, Slipknot, etc. eran también recibidas peyorativamente como pose por los "auténticos" fanáticos del Rock y Metal que lo veían como algo mecanizado. De las pocas bandas que pasaron sin rasguño ni insulto alguno fueron Alice In Chains & Faith No More. Pasando el tiempo y estableciendo una demanda in crescendo, que no era sólo imagen y sí por su música creativa y distintiva, la oposición fue disminuyendo y la familiarización con ambos géneros fue en ascenso.

Disturbed es parte del racimo que fue cortado. En un principio llamados Brawl, tras la llegada de David Draiman como vocalista propuso el nombre definitivo. Llegando el nuevo milenio vino consigo su primer material "The SIckness", el cual muestra también por primera vez, a la mascota oficial de la banda "The Guy" que posteriormente sería modificada para darle una forma más vivida y malvada; excepto por "Believe" en 2002 sale en todas sus portadas. De todo el listado que arriba mencioné, es quizá Disturbed, de las bandas que aún no acaban de ocupar un lugar en el gusto de la gente y eso se ve en sus producciones, las cuales no alcanzan el nivel óptimo para establecerse como referentes.

"Ten Thousand Fists"

Tras haber escuchado 'Stricken' tiempo atrás, al ver disponible este material, decidí tomarlo para ver como se desenvolvía completamente; si es que funcionaba como un todo o era sólo esa canción el anzuelo. Lo acepto, nunca me he identificado con el sonido de Disturbed, es de las bandas a las que llamo "Deja Vu" porque parece que lo he oído antes pero una oportunidad no se le niega a nadie.

El titulo inspira David Draiman lo siguiente: "Fuerza, unidad, convicción, poder, y el regocijo que sientes cuando vienes a ver eso en uno de nuestros shows. Es uno de mis momentos favoritos, y la gente sabe que tengo una afinidad por pedirles que pongan sus puños al aire, y eso es solo, es el regocijo de ser capaz de ver diez mil alzados o más.". ¿Lo notaron? La palabra central es regocijo, placer que no tengo el gusto de compartir después de haber escuchado repetidas ocasiones el material. No quiero decir que es totalmente un desastre porque al menos el vigor es voraz, por momentos hizo que mi cabeza se sacudiera como en 'Forgiven' o 'Stricken' pero si redondeamos su trabajo, puedo decir que hay más contrariedades que motivaciones.

Empecemos por las buenas que son la entrega, el coraje que en casi una hora se es exhibida. Algo que muchas bandas de Metal "real" desearían aunque sea una pizca. También pondero el intento de hacer su sonido más diverso que continuar con la marejada de staccato; ejemplos que bien pueden cuadrar acá son 'I'm Alive', 'Guarded' & 'Overburdened' siendo éstas dos el intento mayúsculo; ponderando la última por enmicar la canción con misterio. Las malas son, y una de ellas respingo entre las buenas, es staccato-tras-staccato que no son apetecibles uno tras otro en tan extenso tiempo, bien tomaré 'Just Stop' & 'Deify' para ejemplificar. Otras de las manchas se la otorgo a David Draiman y su voz de disco-rayado que parece una duplica de la anterior. Sí, tendrá una voz distintiva respecto a las demás bandas de Alternativo pero en el mismo reglón no se puede negar lo repetitivo. Súmenle el cover de Genesis que no me gustó (me hizo recordar aquel de Deicide a Deep Purple, ¡nada que ver!) más la duración de la que se abuso y tenemos una Torre de Pisa.

En Conclusión:

Para ser un álbum de grandes ligas, dejo mucho que desear; su producción es puntiaguda pero el no ser variopinto deteriora sus posibilidades."Ten Thousand Fists", dedicado a Dimebag Darrell que murió un año antes, es uno de sus álbumes mejor promovidos, es el ombligo, hasta ahora, en su discografía estando en medio de "The Sickness", "Believe", "Indestructible" & "Asylum"; de los que espero encontrar elementos más tentativos. Y no, no es mejor que "Angel of Retribution" de Judas Priest que al igual nació el mismo año.

  • Alineación:

    David Draiman - Vocalista
    Dan Donegan - Guitarrista
    John Moyer - Bajista
    Mike Wengren - Baterista
  • Listado de Canciones :

    1. Ten Thousand Fists 3:33
    2. Just Stop 3:46
    3. Guarded 3:22
    4. Deify 4:18
    5. Stricken 4:07
    6. I'm Alive 4:42
    7. Sons of Plunder 3:50
    8. Overburdened 5:59
    9. Decadence 3:27
    10. Forgiven 4:15
    11. Land of Confusion (Genesis cover) 4:50
    12. Sacred Lie 3:08
    13. Pain Redefined 4:09
    14. Avarice 2:56
  • Destacadas : 5.8.
  • Calificación : 70

martes, 13 de diciembre de 2011

Acelerar


  • Banda : R.E.M.
  • Álbum : Accelerate
  • País : USA
  • Género : Rock Alternativo

Sin duda, una de las bandas más queridas y respetadas dentro de la escena alternativa estadounidense cuya historia empezó a escribirse a inicios de los ochentas. Ese año, Michael Stipe conoce a Peter Buck en una tienda de discos donde éste último trabajaba, al descubrir las similitudes musicales que compartían porque "resulta que todos los discos que compraba eran los que Buck guardaba para él" según cuenta Stipe, la amistad se fue desarrollando; al poco tiempo conocieron a sus compañeros de universidad Mike Mills & Bill Berry, quienes habían tocado juntos desde secundaria, para completar el cuarteto colegial. Su nombre lo escogió Stipe y, créanlo o no, lo tomó al azar del diccionario.

La compañía encargada de arropar y custodiar su excursión fue I.R.S. Records, a la que le dieron prioridad por encima de RCA Records; quien tenía mayor prestigio. Desde su primer álbum "Murmur" en 1983 hasta "Document" en 1987 los lazos permanecieron sumando seguidores y positivos comentarios hasta que llegó Warner Bros. en 1988 para acompañar la coronación de R.E.M. con álbumes como "Out Of Time" de 1991 & "Automatic for the People" de 1992 hasta el más nuevo "Collapse Into Now" este 2011. El único miembro que no continua con ellos es el baterista Bill Berry que en Octubre de 1997, después de sufrir un colapso en el escenario mientras R.E.M. se presentaba a causa de aneurisma cerebral, decidió guardar sus baquetas para tomarse un descanso.

"Accelerate"

Antes de hacerme de este álbum, la única referencia estable que tenía era la de 'Everybody Hurts', canción que oí gracias a una amiga; de hay en fuera, de poco a nada era mi acercamiento a la banda. "Accelerate" llega como la opción de comenzar a darle seguimiento a su carrera aunque consiente de que los años ilustres están dos décadas atrás. Otro motivo, lo admito, es visual: su portada obtuvo la mirada atenta de su servidor.

Cuatro años han pasado desde que "Around The Sun" salió en 2004 causando un desplomo que se presagiaba desde años antes, finales de los noventas y comienzos del nuevo milenio no arrojaron un buen mazo. ¿Qué hacer? Renovarce o morir; nada como un cambio de juego para no saturar los carriles. Y para eso, el tiempo es un fabuloso cómplice. ¡He aquí el resultado! ¡He aquí lo esperado! ¡He aquí la renovación! ¡He aquí lo que me pareció un decrecido acto!. Sí, lo cual no es producente para el reparto del álbum.

El referente de "Accelerate" es el guitarrista Peter Buck quien conduce este álbum excediendo los limites de velocidad de R.E.M., cada riff retumba con empuje y potencia, como bien se aprecia en las primeras tres presentaciones, sin embargo, no es el AS bajo la manga ni irradia calidez; escuchemos 'Hollow Man' que es un simple espejismo y 'Until The Day Is Gone' & 'Sing for the Submarine' ejercicios que pudieron ser mejor pero al parecer, como esto es una labor de conjunto, Stipe traía el piloto apagado; la intención de conmover, esperanzar es evidente pero falto encender el pebetero. Lo siguiente es: ¡Qué pasó Stipe! ¿Dónde quedó aquel vocalista con aplomo y de voz sanativa? Aquí escucho un Stipe agobiado y sin chispa, interpretando un bonche de canciones comerciales poco impresivas que bien son representativas 'I'm Gonna DJ', 'Mr. Richards' o 'Accelerate'. Tal vez todo este montaje ayude en su resanación después de otras lamentables producciones pero desaparece su lado emotivo; es aquí cuando se añora el refugio tras cada trasto.

En Conclusión:

No puedo decir que estoy satisfecho después de haber escuchado "Accelerate", debo decir que seguiré insistiendo con materiales detrás de esta linea del tiempo, materiales que sí contengan el espíritu de R.E.M.. No sé qué tan malo fue "Around The Sun" pero no creo que esta sea la respuesta que por cuatro años se estuvo aguardando. La pregunta es: ¿Estará R.E.M. llamado a su retiro? Veremos cuál fue su respuesta en "Collapse Into Now".

Nota: Esta reseña fue escrita antes de su retiro este Septiembre del 2011. Una noticia que se difundió y causó pesar entre los fanáticos pero que es saludable para su imagen; más vale terminar aún con vida que disminuidos por el pasar de los años. Bien ejemplificada con The White Stripes.

  • Alineación:

    Peter Buck - Guitarrista
    Mike Mills - Bajista
    Michael Stipe - Vocalista
  • Listado de Canciones :

    1.- Living Well Is the Best Revenge – 3:11
    2.- Man-Sized Wreath – 2:32
    3.- Supernatural Superserious – 3:23
    4.- Hollow Man – 2:39
    5.- Houston – 2:05
    6.- Accelerate – 3:33
    7.- Until the Day Is Done – 4:08
    8.- Mr. Richards – 3:46
    9.- Sing for the Submarine – 4:50
    10.- Horse to Water – 2:18
    11.- I'm Gonna DJ – 2:07
  • Destacadas : 7
  • Calificación : N.A.

domingo, 11 de diciembre de 2011

0.40

Les comparto un documental recién estrenado este Diciembre 2011 que toca el tema del alcoholímetro; un aparato diseñado para medir el grado de alcohol que tiene una persona que lo ha consumido y los operativos realizados en zonas estratégicas de la Ciudad de México. Su creador José Ludlow, revela que la creación de éste nace a partir de una ocasión que fue remitido a un torito; lugar donde pasan 20 horas de arresto quienes sobrepasen lo 0.40 puntos señalados. Aquí se comparten historias reales de quienes han sido víctimas del abuso de otros y salidas desesperadas de personas que creen estar por encima de la ley. Todo de manera sobria y con datos concretos.

Les invito a que se tomen un tiempo para reflexionar y atender el problema de la ingesta de alcohol, muchas veces sobrepasada por los consumidores, causante de muertes o de paraplejía. Véanlo. Ya basta de no tomar la responsabilidad.

jueves, 8 de diciembre de 2011

Surcando nuestros océanos negros


  • Banda : Cenotaph
  • Álbum : Riding Our Black Oceans
  • País : México
  • Género : Death Metal

Últimamente me he sorprendido a mi mismo adquiriendo material mexicano, cosa que antes no imaginaba. Y lo hago para escuchar lo que sonaba en México en aquellos gloriosos ochentas y parte de los noventas, al igual de lo que resuena hoy en día. Me he encontrado con bandas que me desilusionaron como Brokel, otra cuyo paso del tiempo no avinagra Shub Niggurath y bandas como Tetriconia, Solitude, Psicofonia y Nocturnal Sin que me dieron más de lo esperado en un inicio. Ahora es turno de Cenotaph, parte de la vieja armada del metal nacional muy elogiada y equiparada con Shub Niggurath y The Chasm como las más importantes del México extremo y ocultista.

Primero, un poco de cultura general. Cenotaph es Cenotafio, que es una tumba vacía o monumento erguido en honor a algo o alguien. Conocidos anteriormente como Damned Cross, ellos son originarios de la Ciudad de México y su fundación es de 1989 (misma que Incantation). Sus miembros, todos veteranos de la escena local procedentes de bandas como Foeticide y nombres como Daniel Corchado de The Chasm; Oscar Clorio y Julio Viterbo de Shub Niggurath.

En los primeros años de los noventas, lograron sacar una considerable cantidad de material: dos EP's, dos álbumes y dos demos hasta 1995; "Tenebrous Apparitions" & "The Eternal Disgrace" fueron los EP's que hicieron trasladar su nombre a lo largo y ancho de la república; sus discos "The Gloomy Reflection of Our Hidden Sorrows" (único material con Daniel Corchado) & "Riding Our Black Oceans" los consolidaron dentro de la escena, manteniendo su nombre vigente en la actualidad. Pasando ese año, llegaría la pendiente definitiva de su carrera, la cual no se salvo ni manteniendo a distinguidos miembros de Shub Niggurath; "Epic Rites (9 Epic Tales and Death Rites)" & "Saga Belica" no lograron posesionarse tan eficazmente, finiquitando su carrera ese mismo año.

"Riding Our Black Oceans"

Según he leído, este álbum dio madurez y porte a Cenotaph. Muy diferente al debut que es un salvaje Death Metal. La portada y su titulo se ven enigmáticamente reflexivas, ¿la música redondeará esa mirada inerte?. Siendo primerizo en su sonido, debo decir que la iniquidad aquí latente engulle cualquier posibilidad de luz; haciendo del tiempo algo escatológico.

Al ir oyendo canción por canción, me traslade a Suecia, país natal de At The Gates cuyo sonido deja su aroma nórdico en ascensión a inicios de los noventas. Único en su especie lo es, hasta lo que llevo oído de metal nacional me parece de los álbumes mejor labrados, técnica y habilidosamente hay materia prima para atronar; riffs lacerantes ('Macabre Locus Celesta'), solos erizantes ('Ectasia Tenebrae' & 'Severance'), acompañados de modestas melodías, dominantes batacazos y blast beats ('Among The Abrupt') y el bajo al unísono; la voz de Daniel Corchado me es remota pero Edgardo Gonzalez aporta unos gruñidos infaustos muy a doc en este aluvión de penuria ('The Solitudes').

No se tomen con mucha confianza o ligereza el tratar de escucharlo. En un inicio es una cuesta arriba de tanta técnica aglomerada, después de varias reproducción te puedes familiarizar y catarlo mejor. Experiencia propia.

En Conclusión:

La alineación aquí presente da como resultado un Death Metal Técnico/Melódico muy apetecible para las expectativas de aquellas personas que buscan algo no cotidiano, fuera del margen por todos trazado. No me atrevo a llamarlo original porque no es una marca registrada nacional como sí es la de The Chasm, que a roto fronteras e impuesto paradigmas. Me gustaría escuchar lo que vendría después y hay antes, para así otorgarles una completa aportación.

  • Alineación:

    Edgardo Gonzalez - Vocalista
    Julio Viterbo - Guitarrista
    Fernando Garcilazo - Bajista
    Oscar Clorio - Baterista
    César Sánchez - Guitarrista
  • Listado de Canciones:

    1. The Solitudes 05:39
    2. Severance 06:19
    3. Grief to Obscuro 05:54
    4. Macabre Locus Celesta 05:54
    5. Among the Abrupt 04:54
    6. Infinitum Valet 05:54
    7. The Silence of Our Black Oceans 02:47
    8. Soul Profundis 05:22
    9. Ectasia Tenebrae 06:35
  • Destacadas: 1.2.4.8.9.
  • Calificación: 85

martes, 6 de diciembre de 2011

Peregrino


  • Músico : Eric Clapton
  • Álbum : Pilgrim
  • País : USA
  • Género : Rock/Blues

Rhandy Roads, Tommy Iommi, Duane Allman, Chuck Schuldiner, Joe Satriani, Steve Vai, B. B. King, Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Alex Lifeson, Carlos Santana, Angus Young... ¿cuánta abundancia de talento, no? Muchos de ellos en las columnas históricas de la fama, varios de ellos fallecidos pero todos inmiscuidos en nuestras vidas.

Y si de guitarristas prodigiosos e indiscutibles hablamos, este señorón oriundo de Inglaterra y nacido bajo el nombre de Eric Patrick Clapton un 30 de Marzo de 1945, debe estar sin ninguna duda. Al menos, dentro de mis gustos personales, dedico un espacio singular a él. Su carrera empieza en los sesentas junto con The Yardbirds, una de las bandas más famosas en aquel tiempo en la senda de The Rolling Stones y antes del fenómeno llamado Led Zeppelin. En el tiempo compartido con The Yardbirds tocó al lado de Jeff Beck, otro guitarrista redondo, con el que grabó sólo dos álbumes de estudio antes de formar Cream.

Aún en los sesentas, con el reconocimiento legitimo que disfruta Eric Clapton por su estilo, decide formar Cream con Ginger Baker (con quien también competió estudio en Blind Faith) & Jack Bruce, baterista y bajista, respectivamente. En aquella época, era considerada una súper banda, pues el prestigio de sus integrantes era notorio. Y se catapulto más por la seguidilla de álbumes que sacaron a mediados/finales de los sesentas; siendo el número uno "Disraeli Gears", cuyo éxito fue "Sunshine Of Your Love". A partir de los setentas, su carrera como solista despuntaria con la misma fuerza que antes, produciendo materiales de gran exquisitez como "No Reason To Cry", "Another Ticket" & "From The Cradle" de una veintena que presume de estepario.

"Pilgrim"

Cuando vi ese intenso color azul que reviste la portada, mi atención se dirigió hacia ella; cuando vi el nombre a quien pertenecía el disco, el interés incremento. Y es que, tener la posibilidad de hacerte de un álbum de Eric Clapton, no es algo cotidiano. Su estilo y puntilleo lo conocía pero nunca apreciado minuciosa y completa como te lo ofrece un disco. Así que, manos a la obra.

Si algo expele este álbum es un sonido placentero, bonachón e incluso bailable, con ritmos tan apetitosos que se antojara desde mover con complicidad el pie hasta pararse y contonear el cuerpo, como bien muestra la introducción 'My Father's Eyes' que inmediatamente nos muestra el lado melancólico y de añoro con 'River Of Tears', una de las gemas presentes. Con la seguridad que me da haber escuchado el material, puedo decir que es distinto a lo que le antecede. No es el álbum de blues que abunda de solos, aquí son contados, diminutos y bien lijados; pocos de largo tiraje como en 'You Were There' con una emoción resaltable. Otra adición, es la utilización de sintetizadores que otorga un ventisca de frescura y vigor que congenia muy bien con el colorido blues de Eric Clapton y su encantadora y caballerosa voz como en 'Need His Woman', 'Pilgrim' o 'Inside Of Me' con seductor coro femenino presente. Para muchos podrá ser un estancamiento en su carrera pero a mi parecer, es un aporte favorable en pro de un cambio positivo; si me permiten describirlo así: música de aristocrático y fino burdel, lo cual no es despectivo comparada con los de la actualidad.

Como verán, la duración pasa la hora. Para mi eso no impidió disfrutar este peregrinaje de tonalidades pero hay quienes no puedan captarlo del mismo modo. El único asterisco que pongo, no de inconformidad porque el material en general está bien lustrado, sino de aviso para no repetir nuevamente, es el de la bateria programada, cuyo sonido es insípido y monótono y no irradia el mismo resplandor.

En Conclusión:

El maestro de maestros, ídolo de ídolos, vuelve a culminar una victoria más para su inconmensurable trayectoria. Para el tiempo que salio (20 días antes de su aniversario número 53) el sonido viene a revitalizar los bríos de unos noventas a punto de terminar y un nuevo milenio de comenzar. Coqueto y a ratos indefenso, Eric Clapton no anquilosa.

¡Orgullosamente mi preceptor!.

  • Alineación:

    Eric Clapton - Guitars & Vocals
  • Listado de Canciones :

    1.- My Father's Eyes – 5:24
    2.- River of Tears – 7:22
    3.- Pilgrim – 5:50
    4.- Broken Hearted – 7:52
    5.- One Chance – 5:55
    6.- Circus – 4:11
    7.- Going Down Slow – 5:19
    8.- Fall Like Rain – 3:50
    9.- Born in Time – 4:41
    10.- Sick & Tired – 5:43
    11.- Needs His Woman – 3:45
    12.- She's Gone – 4:45
    13.- You Were There – 5:31
    14.- Inside of Me – 5:25
  • Destacadas : Todas
  • Calificación : 90

El matrimonio es lo que pocos son.


¿El matrimonio da fe de la legalidad del amor? No. Más correcto sería decir que es un requisito para no ser mal visto dentro de una sociedad que se parapeta tras normas tacitas. Dichas normas, no hacen más que crear aversión a todo lo abarcado por ellas. El matrimonio entre ellas. Pero, no le echemos toda la culpa a la sociedad, culpemos a los individuos que toman la decisión de comprometerse, que deciden unirse para siempre. Casarse, señoras y señores, no es jugar a ser responsable ni a la comidita; casarse es ser responsable de la persona con quien compartes techo, habitación y alimento. No existen los individualismos; su único método es el colectismo. Es sumar en lugar de dividir. Lo que a muchas personas hoy en día les parece fatal.

Como en toda historia, existen los roles. Hombre y mujer son los antagonista/protagonista en un mismo cuerpo. El hombre, en su afán de ser protector y fuente de ganancias, se convierte en un ser ominoso y deleznable capaz de recurrir a la violencia con tal de ver a su compañera prisionera en muros de hormigón. Es esa superioridad que hemos arrastrado en años los que no mantiene en dicha posición; aunque los tiempos modernos se vistan de color rosa. La mujer, en contraste con el hombre, es sumisa y servil, no ganan batallas a base de fuerza; las ganas a base de afecto y atención. Ser mujer en un matrimonio significa llevar las de perder. No por su discapacidad de hacer las cosas sino por el bajo costo que continua teniendo en un mundo donde el hombre pasó a ser minoría pero no nimia. Aunque hoy en día las mujeres trabajen y sean capaces de ser atlas sigue siendo su propias rivales; en un mundo donde el hombre domina las mujeres son su finalidad preferida.

¿Cómo pasa la mujer de ser un neceser a líder? Mitigando sus sueños. Así como el hombre presume su orgullo varonil, la mujer presume esa estampa de hada capaz de realizar los sueños menos probables. Negarle la capacidad de ser madre la hará la mejor de ellas; negarle trabajar la hará la más sobresaliente; negarle amar la hará la mejor amante; negarle ser mujer la hará mejor que cualquiera. Contrario al hombre, que al ser derrotado, derrotado es; la mujer al ser derrotada, superior es. Habrá tiempo de lágrimas, pataleos pero al final ascenderá como avión en pleno vuelo: imponente y halagüeño. Sin embargo, no olvidemos que así como son capaz de tener al mundo entre sus dedos, son recurrentes a apostar por el mismo aciago.

El matrimonio no es solo un anillo, criar criaturas, comprar un coche nuevo y poner nuevos azulejos; el matrimonio son estragos y pagos, es levantarse cada mañana, verse más viejo y decir: ¿Qué hago aquí cuando puedo estar en un museo? Al menos ahí se presta atención a lo que se tiene. No duden en casarse, duden en divorciarse; es la causa número uno de cierre de bares y tiendas departamentales.

Fuente: Tu cita a la corte.

lunes, 5 de diciembre de 2011

Mi impotencia se demuestra cuando mi inconsciente incrementa


Como su psicólogo, le repito, sea mas incoherente y menos consciente. Detrás de esas nimiedades yace la calamidad que esconde, que responde, que acecha y que siempre adopta; no lo vea como derrota, véalo como el alumno que acaba siendo lo contrario que su maestro denota. No sirve de nada resistirse. ¿Acaso usted puede evadirse? Le pido una disculpa y, con amabilidad le pido, vaya usted y asesine a su amigo.

jueves, 1 de diciembre de 2011

La Banda Invisible


  • Banda : Travis
  • Álbum : The Invisible Band
  • País : Escocia
  • Género : Rock Alternativo

Sí, en las más recientes reseñas colgadas a este espacio no ha dominado el Metal, como tiempo atrás solía pasar. ¿Se debe a un cambio de actitud? Para nada, es más amplitud. Como en ocasiones he dicho: no encajonarme en lo mismo. La siguiente cuestión es, difiriendo de lo anterior, ¿cuántas bandas escocesas conocen? Me viene a la mente Franz Ferdinand, no más. Como bien sabrán, Escocia forma parte del Reino Unido, opacado por el gigante Inglaterra. A comparación con éstos, Escocia siempre a batallado el doble.

Una de las bandas longevas de Escocia lleva por nombre Travis, y su historia empieza a hacer mella en 1990, un año antes que Oasis. Antes del nombre actual, llevaban el de Glass Onion, referencia a la canción del mismo nombre de The Beatles. En esos momentos eran una banda con propósitos y metas por cumplir, como cualquiera, que a la llegada de Niko Bolas, asociado de Neil Young y The Rolling Stones, lograron capitalizar.

El debut "Good Feeling" llegó en 1997 tras casi un año concentrados en componer canciones nuevas, el éxito fue alentador; la altura fue mayor al salir "The Man Who", material que los puso en movimiento a lo largo del mundo; manteniendo el vuelo en "The Invisible Band" que vendió más copias en cuatro semanas de lo que el anterior hizo en medio año; para "12 Memories" seguían volando alto, mostrando una de sus producciones más maduras, distintas a las anteriores; retomando su estilo característico para "The Boy With No Name" y "Ode To J. Smith" álbumes contundentes con diferencia de un año entre cada uno, últimas referencias tras tres años.

"The Invisible Band"

Por alguna razón, la portada me hizo recordar a Creedence Clearwater Revival en "Bayou Country" por el escenario tan camuflajeado. Obviamente, las diferencias existen. El motivo de dicha portada es referente a el hecho de que la música es más importante que la banda en sí. Concepto que Francis Healy con atino logro implementar en este material; desatando una simpleza consonante.

Describir y dejarme llevar por este álbum no fue nada difícil. Su sonido natural, orgánico, liviano como la brisa, me hizo rememorar porque es uno de sus materiales más exitosos. La cristalina transparencia con la que ejecutan las canciones e interpretan las letras hace de este es la feromona causante de abalanzármele. Cuando escuchas el sonido del bangio abriendo la cortina para presentar 'Sing' quedas paralizado por su vivaracho sonido y al poco tiempo tarareándola; en contraste con 'Dear Diary' de sonido más seco. El resplandor que ilumina este recorrido no se apaga ahí, sigue presente alumbrándonos con 'Side', 'Pipe Dreams', 'Follow The Light' ambas con hermosos destellos melodiosos, 'Flowers In The Window' & 'Afterglow' ésta última con un parecido a U2; sin echar de lado canciones a tenue luz de quietud no eclipsante, están 'The Cage', 'Last Train', 'Indefenitely' & 'The Humpty Dumpty Love Song' que aunque el titulo contenga la palabra amor no la excluye del trago.


El derechazo que propinó Travis fue desarrollar un sonido deslumbrante para el tiempo en que salió donde no había mucho que reconocer o galardonar. Hay que aceptar que los primeros años del nuevo milenio no trajeron buenas noticias; con sus excepciones.

En Conclusión:

Si lo que escuché de Travis me había gustado, aquí acabo por aceptar ser un adepto más de los tantos que existen. Desde la voz aliviante de Francis Healy hasta las melodías que como luciérnagas nos proponemos a perseguir y los ritmos de paciencia altisonante; "The Invisible Band" hace de un día cualquiera, un día con estela.

  • Alineación :

    Francis Healy – vocals, guitar
    Andy Dunlop – guitar
    Dougie Payne – bass guitar
    Neil Primrose – drums
  • Listado de Canciones :

    1.- Sing – 3:48
    2.- Dear Diary – 2:57
    3.- Side – 3:59
    4.- Pipe Dreams – 4:05
    5.- Flowers in the Window – 3:41
    6.- The Cage – 3:05
    7.- Safe – 4:23
    8.- Follow the Light – 3:08
    9.- Last Train – 3:16
    10.- Afterglow – 4:05
    11.- Indefinitely – 3:52
    12.- The Humpty Dumpty Love Song – 5:02
  • Highlights : 1.3.4.6.8.10.11.12.
  • Rating : 93

martes, 29 de noviembre de 2011

El Liquidador


  • Artista : Thom Yorke
  • Álbum : The Eraser
  • País : Inglaterra
  • Género : Electrónica, Art Rock

Personajes en la industria musical existen a montones, algunos extrovertidos como Ozzy Osbourne que aún a su longeva edad sigue siendo igual de irreverente o inadvertidos pero igual de talentosos como Camilo Wong "Chino" Moreno, uno de los vocalistas más mesmerizantes. Y así podríamos hacer una extensa lista que incluiría a Lady Gaga, Robin Williams, Michael Jackson, Pink, Gwen Stefani, James Hetfield, Abbat, etc, etc, sin apego a ningún género en especifico. Pero quien es el centro de atención esta ocasión es el británico: Thom Yorke.

Thomas Edward Yorke es el nombre correcto. Oriundo de Wellingborough, una ciudad colindante con Northampton, su primera influencia fue el guitarrista de Queen: Brian May. Su primera banda fue llamada On A Friday que después, en 1991, sería conocida por Radiohead; desde entonces sus integrantes Ed O'Brien, Phil Selway, Colin Greenwood & Jonny Greenwood eran amigos de la infancia. El apartado Radiohead lo tocaré después, cuando el momento llegue. Ahora tomaré la carrera solista de Thom Yorke la cual sólo tiene un material en sus vitrinas.

"The Eraser"

Presentado en 2006, éste álbum solista trajo los rumores de una posible separación de Thom Yorke de Radiohead, a lo cual él respondió diciendo: "Todo fue hecho con sus bendiciones". Este material presenta a un Thom Yorke artístico y excelso en todo los sentidos, luciendo su afamada voz benevolente pero al mismo tiempo vehemente bien lustrada en Radiohead. Debo confesar, que si no es por su precio módico y tardío conocimiento de Thom Yorke, esta gema no hubiera llegado a mis manos. El primer pincelazo de grandeza lo da el arte asignado al disco, de colores sobrios y elegantes como el blanco y negro, representa una ciudad abatida, sumergida, por el poder de la naturaleza; en su interior, una foto cronopia de su protagonista y compositor: Thom Yorke.

Como él mismo lo describe, "The Eraser" es "más pulsaciones y electrónica", que según describen los expertos, en la senda de "Kid A". Para mi, la experiencia fue una transfusión de energía, protones y neutrones en forma heliocéntrica, una sacudida ósea que duró por semanas. La belleza y encanto de este álbum recae en la amplitud de escenografías que presenta bien acondicionadas y modestas; nada alejado del desempeño de actos como Massive Attack o Zero 7 que bien podría hacerle competencia con 'Analyze', 'The Clock', 'Cymbal Rush' o 'Harrowdown Hill' que se prestan para reflexionar y profundizar; otras más tajantes como "Black Swan" o 'And It Rained All Night' muestran no esperanza o color alguno más que el del ritmo presente; sobria, pacifica y desinflamadora es "Atoms For Peace", inspiración para el nombre de la banda alterna de Thom Yorke.

La imponente nébula que absorbe nuestra atención da origen a nuevas ideas y sensaciones; como el nimbo en las divinidades: imprescindible. Solamente alguien con el carisma, entusiasmo y trascendencia de Thom Yorke podia crear algo de talante dominante.

En Conclusión:

Si mi gusto por la electrónica empezaba a retoñar con "The Eraser" termino por aflorar. Un disco único y sustancial que basta con sumergirnos para no emerger más. Créalo o no, pero pocas veces ha presentado estas canciones en vivo. Una razón más para remarcar.

  • Alineación:

    Thom Yorke – vocals, instrumentation
    Jonny Greenwood – piano
  • Listado de Canciones :

    1.- The Eraser – 4:55
    2.- Analyse – 4:02
    3.- The Clock – 4:13
    4.- Black Swan – 4:49
    5.- Skip Divided – 3:35
    6.- Atoms for Peace – 5:13
    7.- And It Rained All Night – 4:15
    8.- Harrowdown Hill – 4:38
    9.- Cymbal Rush – 5:15
  • Destacadas : ¡Todas!
  • Calificación : 100

lunes, 28 de noviembre de 2011

De graduaciones y frustraciones


Tener un hijo; delincuente
Tener un matrimonio; aparente
Tener un diploma; inerte
Tener un sueño; adolescente

Poder caminar; no moverte
Poder hablar; incoherente
Poder escribir; intermitente
Poder concebir; dar muerte

Lloramos y lo negamos
Vivimos y aparentamos
Escuchamos y nos resignamos
Vemos y no observamos

Reímos; superficialmente
Abrazamos; falazmente
Esperamos; no volver a vernos nuevamente
Morimos; para ser omitidos nuevamente

La visión del valle


  • Banda : The Vines
  • Álbum : Vision Valley
  • País : Australia
  • Género : Garage/Psychedelic Rock

Se esta haciendo costumbre que en este espacio presente bandas procedentes de Australia, un país que pocos toman en cuenta pero con un progreso inconmensurable en cualquier ámbito donde participen. Tiempo atrás traje a sus ojos un par de materiales de Jet, mismos que causaron una reacción favorable después de haber estado reacio hacia su música. De nueva cuenta, otra agrupación Aussie aparece erguida para seguir manteniendo bien en alto el prestigio del país.

The Vines proceden de Sydney, ciudad australiana conocida por ser cede de las olimpiadas celebradas en el 2000, madre de otras monumentales agrupaciones como AC/DC o Wolfmother. Su origen es de 1994, año en el que el grunge estaba en su máximo apogeo y del cual disfrutaban tocando covers de Nirvana en fiestas casuales. No fue hasta el 2001 que su despegue comenzó oficialmente, tras cinco años ausentes, XL Recordings produjo su primer sencillo 'Factory' en formato vinil de siete pulgadas limitadas en tiraje. Dicho sencillo se convirtió en numero uno.

En 2002 la consagración de la banda culminaría en su álbum debut "Highly Evolved" bien respaldado por la compañía disquera Capitol Records, rápida y eficazmente éste se convertiría en una reliquia de la música australiana; incorporado en la listas: "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "Los 100 mejores álbumes de Australia"; de aquí se despega un sencillo 'Outtathaway' que apareció en la película "Bruce Almighty", mi primer contacto directo. Este recibimiento victorioso dio paso a que posteriores materiales surgieran, en 2004 "Winning Days", 2006 "Vision Valley", 2008 "Melodia" y lo que sera su quinta producción este 2011 "Future Primitive". Ninguno con tanta algarabía como su debut.

"Vision Valley"

Pocas bandas pueden jactarse de tener una mayoría de álbumes exquisitos, sin ninguna contrariedad o división de opiniones. En el caso de The Vines es este su disco más controvertido. En Inglaterra hay aplausos, pero otras revistas y paginas especialistas le ponen en un peldaño de mediana a baja calidad.

La introducción a esta aventura es el torbellino 'Anysound' con un sonido que nos hace romper la postura. Si algo hay en cantitades bastas es energía, siendo ésto el ancla para que no se hundan por completo; sin embargo, en canciones como 'Gross Out' o 'Fuk Yeh' no fue suficiente. Otros dos buenos cortes que fueron parte importante en la publicidad del material son 'Don't Listen To The Radio' con un sonido emotivo a lo White Stripes y 'Dope Train' otra ráfaga de buenos riffs que no sería mala idea fusionar con 'Atmos'. Por supuesto que hay baladas, el momento de tranquilidad en todo disco, aquí llevan por nombre 'Vision Valley' (donde esos ritmos me recordaron a Jet), 'Going Gone' & 'Take Me Back' (con sonido country) apetecibles baladas que bien gustaría entonar alrededor de una fogata nocturna; éstas, se llevan puntos positivos al igual que la finalización 'Spaceship' que culmina con seis minutos de ausencia tras tanto trajín.

Encontrando y formulando un balance entre ambas opiniones, llegue a la conclusión de que no es tan fatal ni tan dotado como lo proponen las partes. Lo que me llega a complacer es el carácter frontal y arrollador que en su entorno logran crear, recargando las baterías del cuerpo más inmóvil; lo que me parece el lado negativo es la poca mano de obra que tienen algunas de las canciones, siendo muy cortas y pasajeras como si fueran una más para completar la lista, caso de 'Nothing's Coming', 'Futuretarded' o 'Candy Daze'; ni que decir de la lírica de poca lucidez.

En Conclusión :

Hizo falta el elemento que encendiera el caldero para ebullecer esta propuesta nada despreciable. Tal vez hicieron falta más solos dopantes o atmósferas alucinantes, sea lo que sea, este no es todo el potencial de The Vines. No quiero creer que todo el tonelaje lo dieron en un solo disco.

  • Alineación :

    Craig Nicholls – vocals, guitars, keys, bass on "Futuretarded"
    Ryan Griffiths – guitars, keys, percussion, backing vocals
    Hamish Rosser – drums, percussion, backing vocals
    Andy Kent – bass
  • Listado de Canciones :

    1. Anysound 1:55
    2. Nothin's Comin' 2:00
    3. Candy Daze 1:40
    4. Vision Valley 2:42
    5. Don't Listen to the Radio 2:10
    6. Gross Out 1:18
    7. Take Me Back 2:42
    8. Going Gone 2:44
    9. Fuk Yeh 1:58
    10. Futuretarded 1:47
    11. Dope Train 2:36
    12. Atmos 1:50
    13. Spaceship 6:07
  • Destacadas : 1.5.13.
  • Calificación : 70

domingo, 27 de noviembre de 2011

Muñeca en sábado por la noche


  • Banda : Deftones
  • Álbum : Saturday Night Wrist
  • País : USA
  • Género : Alternative Metal

¿Qué decir cuando todo lo han hecho? Es la pregunta que se formula en mi mente al tratar de iniciar esta reseña. Y es que Deftones, es una de las bandas de grandes ligas más apreciadas y explicitas del orbe; no conozco una banda que continúe con la condición y diversidad que ellos presentan. Hace poco estuvieron en México, un agasajo para quien estuvo allí; hace ya algún tiempo, traje a su vista la reseña de "Diamond Eyes" un diamante invaluable. En esta ocasión, y evitándome la presentación que hice tiempo atrás, doy pie a narrarles como es que "Saturday Night Wrist" volvió a ser mi vigía.

¿Por qué vigía? Porque solamente al escuchar alguna de sus innumerables canciones me siento protegido, custodiado, como si estuvieran ahí para salvar mi pellejo. Si alguna de las personas que leen esto, han llegado a sentirse abatidos, solos, pero al momento de aparecer Deftones el panorama se vuelve más lucido, sabrán a qué me refiero. Pocas veces se encuentran producciones como estas en la ciudad donde vivo y si se encuentran, desaparecen en corto tiempo. Al llevarlo, recordé la división de comentarios referentes al material; un amigo me había comentado que no era su mejor disco, mientras las opiniones publicas le ponían en un peldaño de galardón. Quería escucharlo y formular mi propia resolución.

Y la distorsión que viene al abrirse la puerta en 'Hole In The Earth' me hizo pensar en un triunfo más. Confirmado con el desarrollo de la canción, el poeta del escape: Camilo Wong "Chino" Moreno da gala de paciencia atada a la implosión de sus quebrantadores gritos, mismos que nos perturban en 'Rapture' & 'Rats!Rats!Rats!'; de las más frontales del álbum. A diferencia de "Diamond Eyes", "Saturday Night Wrist" es más extenso lo cual extiende el terreno para improvisar e innovar, objetivo logrado en 'Beware', 'Xerces' & 'Cherry Waves' corrientes que arrojan tranquilidad y refrescan el andar del material.

¿A colaborado algún otro músico en sus producciones? Sí, y para quienes ignoren el número de veces han sido 4; siendo los más conocidos: Maynard James Keenan, vocalista de Tool invitado en "White Pony" & Serj Tankian, vocalista de System Of A Down invitado aquí, participando en 'Mein' haciéndolo un par de veces de manera anecdótica; otra invitida es Annie Hardy, multinstrumentalista de la banda Giant Drag en un entorno muy electrónico, muestra de los terrenos que llega a pisar Deftones. Otra peculiaridad que expone este material es 'U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start', primera canción instrumental en su carrera y cuyo nombre es el código de un videojuego de Konami.

La alineación de lujo desde "Around The Fur" aparece una vez más con un pintoresco y profundo sonido propio, marca registrada desde comienzos del nuevo milenio tiempo en el que despegarían a altitudes donde aún descansan: las siete/ocho cuerdas de la guitarra de Stephen Carpenter, la facética voz del "Chino", el golpeteo de Abe Cunningham, el eco de la caja de pandora de Frank Delgado y los ritmos que marca Chi Chen con su bajo. Triste fue la noticia del accidente automivilístico que lo apartaría físicamente de las grabaciones.

En Conclusión :

Las adversidades, tropiezos y descalabros ayudan a cimentar personalidades, cualidad que una amplia mayoría pasa de largo; ventaja que Deftones aplica a su música y letra, haciendo del trago amargo el lixir de la vida. "Diamond Eyes" es un joya, "Saturday Night Wrist" es el borrador que pulieron y tallaron para un nuevo cambio de juego. En lo que respecta a popularidad, "White Pony" es primer lugar, en lo que respecta a progreso y prominencia, éstos dos últimos son el brillo de la corona.

Por cierto, el séptimo álbum de estudio, sigue pospuesto. La recuperación de Chi Cheng aún no es la óptima para todo lo que requiere la promoción de dicho material. Para quien guste visitar el link creado para recaudar fondos y leer noticias recientes, lo incluiré entre los de MySpace y YouTube. ¡Pronta sea tu vuelta a los escenarios, Cheng!.

  • Alineación :

    Abe Cunningham - drums
    Chi Cheng - bass guitar, backing vocals
    Stephen Carpenter - guitars
    Chino Moreno - vocals, guitars
    Frank Delgado - keyboards, samples
  • Listado de Canciones :

    1. Hole in the Earth 4:09
    2. Rapture 3:25
    3. Beware 6:00
    4. Cherry Waves 5:17
    5. Mein (feat. Serj Tankian) 3:59
    6. U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start 4:12
    7. Xerces 3:42
    8. Rats!Rats!Rats! 4:00
    9. Pink Cellphone (feat. Annie Hardy) 5:04
    10. Combat 4:46
    11. Kimdracula 3:15
    12. Rivière 3:45
  • Destacadas : 1.2.3.4.7.10.11.12.
  • Calificación : 100

En Guerra


  • Banda : Vreid
  • Álbum : I Krig
  • País : Noruega
  • Género : Black Metal

Muertes en el medio musical ha habido muchas, unas impactan más que otras. Si nos vamos al medio comercial tenemos el caso de Selena o en el Grunge con Kurt Cobain, ambas sacudieron a muchos. En lo que respecta al Metal, están las de Cliff Burton, Dimebag Darrell y Randy Rhoads que aun hoy siguen conmoviendo por la forma en que se fueron. Dentro del Black Metal está la de Euronymous asesinado a manos de Varg y Valfar, dos de las que estoy enterado.

Éste último formaba parte de Windir y murió por hipotermia en 2004 a causa de una nevada cuando se dirigía con su familia, la decisión tomada posteriormente fue de acabar con el proyecto. Ese mismo año, 2004, uno nuevo surge: Vreid, Ira en noruego, el cual cuenta con tres ex-miembros: Hváll, bajista; Steingrim, baterista y Sture, vocalista/guitarrista más la incorporación de un segundo guitarrista: Ese; así, su debut llegó con "Kraft" en la misma linea de tiempo.

La muerte de Valfar pareció no haber afectado en lo musical. El éxito obtenido fue positivo ratificado en discos como "Pitch Black Brigade" de 2006, "I Krig" de 2007 y "Milorg" de 2009; su sonido definido por algunos como Black 'N' Roll en su recién producción "V" dio un giro para tornarse más Melódico. No obstante, siguen en el agrado del pelotón.

"I Krig"

A diferencia de Windir, si han podido notar, Vreid abarca temas de guerra; contrario a los primeros, donde la mitología era su bastión. El estilo de Windir era combinado con el Folk, el cual conquistó a una favorable mayoría; Vreid, utiliza una formula que a cooperado con actos de la talla de Entombed o Gorefest: Rock and Roll + Metal. Después de conocerlos mejor, bien valía la pena invertir mi dinero en ellos.

El inicio de la batalla, momento culminante, aquello por lo que te preparas, da inicio de manera conmemorativa en 'Jarnbyrd' la ceremonia que anuncia la voluntad de abrir fuego. Con una duración que rosa los siete minutos y un sonido convincente, no es la única brecha extensa que tendremos que recorrer, más adelante aparece 'I Krieg' con la pesadumbre que provocan los violines al inaugurarla; éstas dos, encierran con amplitud el malevolente y fúrico sonido del Black Metal.

El lado de unidad y coreografías espontáneas llegan al oído en 'Under Isen' con mucho folclore en medio de la guerra. Un momento de calma. Hora de seguir el asalto y tomar nuestras armas para aplastar a nuestros contrincantes en 'Væpna Lengsel', un sonido semejante al de Satyricon en su época rockera, y 'Folkefiendar' con inmensa violencia y fervor nos invita a ser despiadados. La definición de esta avasallante embestida llega con 'Millom Hav Og Fjell' despedida póstuma para los caídos.

Lo que bien se aprende jamas se olvida, dicho que embona con certeza al escuchar como se compenetran para ejecutar Black Metal, la malicia es inagotable y los serenos arrullos entre ella hacen que el campo de batalla sea el himno de las golondrinas.

En Conclusión :

Definirlos con exactitud es complicado. Su desempeño muestra cualidades típicas del Black Metal, como lo enigmático aunque del Folk y Rock no se olvidan. No estaría fuera de lugar llamarlos Proto-Black, actuaciones como estas no se presentan seguido; por mucho que me recuerden a Satyricon. Supieron fusionar correctamente el pasado que los envuelve con Windir a esta nueva campaña bélica. ¿Vale la pena, el tiempo y dinero? Sí, experiencias con su diversidad no se encuentran comúnmente.

  • Alineación :

    Sture - Vocals, Guitar
    Ese - Guitar
    Hvàll - Bass
    Steingrim - Drums
  • Listado de Canciones :

    1. Jarnbyrd 06:29
    2. Under Isen 03:35
    3. I Krig 08:40
    4. Væpna Lengsel 04:03
    5. Svart 03:53
    6. Folkefiendar 03:57
    7. Dei Daude Steig Av Grav 05:12
    8. Fangegard 03:58
    9. Millom Hav Og Fjell 05:14
  • Destacadas : 1.3.5.8.
  • Calificación : 89

Érase una vez en el oeste.


  • Banda : Hard-Fi
  • Álbum : Once Upon A Time In The West
  • País : Inglaterra
  • Género : Indie Rock

La sensación que causó en mi Fifa 2007 es evidente. Parte de mi inclusión al Indie y Alternative Rock en bandas como Bloc Party o Boy Kill Boy iniciaron allí. De lo cual estoy contento. Ya varias bandas han pasado por aquí, incluyendo las dos de arriba, ahora, un eslabón más dice presente: Hard-Fi. La primera canción que me hizo voltear a ellos fue 'Gotta Reason' para después complementarla con 'Hard To Beat'. A diferencia de otras bandas inglesas como Kaiser Chiefs, Arctic Monkeys o Bloc Party, Hard-Fi presume un sonido más tecno y entusiasta, diseñado para hacernos mover el esqueleto.

Originarios de Staines, un suburbio a las afueras de Londres, la modesta agrupación liderada por Richard Archer hizo acto de presencia en 2003 pero no sin antes batallar y sudar la gota gorda. Una de las primeras tempestades que movió a Richard Archer a Staines, su lugar de origen, fue la muerte de su padre tras perder la lucha contra el cáncer; además del fracaso obtenido con su otra banda Contempo. Su primer álbum "Stars of CCTV" en 2005 trajo consigo un tumultuoso éxito, merecido ante tanto menosprecio y poco apoyo, siendo grabado en lugares inusuales como cuartos, bares y la parte trasera del coche del productor, lo que no impidió estar en el gusto popular; para "Once Upon a Time in the West" las cosas habían cambiado, sin descuidar su estudio de grabación "Cherry Lips", una cabina de taxis la cual ampliaron y mejoraron. En cuanto a su nombre, viene del sonido otorgado a Lee "Scratch" Perry (músico reggae) producido en su estudio de grabación.

"Once Upon A Time In The West"

Quienes no estén familiarizados con Hard-Fi probablemente podrán pensar que son una banda pop o con un buen sentido del humor, yo optaría por pensar la segunda, una fiebre amarilla que se expande al interior. Esta portada me recordó a The Black Keys y su álbum "Brothers". Esas dos canciones que mencioné arriba son los pilares que sostuvieron la idea de llevarme este material, un encuentro más cercano con su sonido. Quienes no toleren el recíproco sentimiento de amor, paz y fraternidad, pueden descartar esta opción; quienes sí, disfruten de esa amalgama.

Con esa vibra positiva que riega 'Suburban Knights' al dar la patada inicial, lo único que querrás es saltar y saltar, contagiados con ese coro. Prueba fidedigna de la alegría que promueven. Los latidos electrónicos presentes son evidentes, mismos que siguen en 'I Shall Overcome' con un perfil más calmado, sereno, bien llevada por la domada voz de Archer. Mi canción favorita. Ambos, son los dos primeros sencillos del álbum para los cuales se grabaron vídeo; excelentes elecciones.

Si no quedaron complacidos con la educada voz de Richard Archer, 'Tonight', 'Help Me Please' & 'The King' lo acabarán haciendo, un cortez cortejo con un paisaje musical para reflexionar; misma senda sigue 'Watch Me Fall Apart' de corta duración pero con el mismo efecto, dándonos la impresión de estar ante una orquesta; caso contrario de 'Little Angel' que, créanlo o no, me hizo recordar a The Outfield, en versión tecno. Con una declarada influencia de la música dance y soul, no extraña si 'I Close My Eyes' o 'Can't Get Along (Without You)' nos transporta a alguna playa jamaiquina, donde la fiesta no termina, para liberarnos de todo estrés; ¿recuerdan aquellos coros del inicio? Pues, vuelven a decir presente en 'Television' una canción animada con mensaje sátiro y un intro de piano que hizo pasar por mi mente el nombre de Keane & 'We Need Love' de la que Bob Marley se pondría orgulloso.

Aun la carrera de Hard-Fi no llega a su fin pero con la demostración aquí plasmada hay pruebas suficientes para decir que están alcanzando la maduración, no por completo pero con buena pinta para lo que viene. Los puntos negros son la abundancia de baladas que me llego a colmar y la ausencia de lírica en su interior, eso no fue nada divertido cuando se sabe lo interesante que son.

En Conclusión :

Espíritu y entusiasmo son las piezas esenciales en su tablero, un calmante a toda angustia. Si en el primero, la dirección tomada fue la de un dardo acertando al punto fijo, aquí es menos impresivo pero mucho más calculado. La luz verde se enciende dando como señal que son libres de andar, jóvenes humildes con un gran corazón han demostrado que no se necesita de grandes nombres para figurar.

  • Alineación :

    Richard Archer - Vocals
    Kai Stephens - Bass
    Ross Phillips - Guitar
    Steve Kemp - Drums
  • Listado de Canciones :

    1.- Suburban Knights — 4:29
    2.- I Shall Overcome — 4:16
    3.- Tonight — 3:55
    4.- Watch Me Fall Apart — 2:51
    5.- I Close My Eyes — 2:26
    6.- Television — 3:40
    7.- Help Me Please — 3:12
    8.- Can't Get Along (Without You) — 2:58
    9.- We Need Love — 4:02
    10.- Little Angel — 2:52
    11.- The King — 3:14
  • Destacadas : 2.3.7.

sábado, 26 de noviembre de 2011

La Elevación de Mercurio.


  • Banda : Haste
  • Álbum : The Mercury Lift
  • País : USA
  • Género : Post-Hardcore

Vaya que hay bandas difíciles de rastrear. Agrupaciones que cuentan con una escasa carrera y poca difusión, como el caso de Haste, originarios de Alabama, Birmingham, con una linea de vida prolongada pero de poco esplendor. Fundados en 1995, Haste no tardo en codearse con los grandes de aquel momento como Turmoil o Stuck Mojo. Al tiempo, las alineaciones variaban; hasta encontrar una establecida y así lanzar su primer álbum " Pursuit in the Face of Consequence" en 1999. Fichados por Century Media, fue ésta compañía quien los elevo con dos más álbumes "When Reason Sleeps" en 2001 y "The Mercury Lift" en 2003, y los hizo aterrizar cuando fueron echados en 2005, propiciando un receso y posterior desintegración en 2007.

"The Mercury Lift"

Dos fotos de diferentes puntos de Alabama cubren la portada. Al verla, la posibilidad de toparme con un par de géneros que últimamente he frecuentado, aumentó. Estoy hablando del Post-Rock & Post-Hardcore: dos estilos diseñados para ebullir y levitar. Erre en mi suposición pero dentro del contenido se hospedan texturas de Post-Hardcore.

Metalcore, al que me he apegado últimamente, en una dupla intrépida con el Post-Hardcore, combinación que me recordó a "The End Of Heartache", un álbum menospreciado. Ojo, no es ninguna comparación, para nada; aparte, "The Mercury Lift" fue lanzado antes. Una de las cosas a distinguir es el recurso de dos vocalistas, uno gutural, el otro limpia, que a diferencia de otras bandas aquí están por separado.

Los tres primeros cortes 'With All The Pride And Dignity Of A Drowning Swimmer' (con un coro interrogante), 'Evidence Of Wasted Ink' & 'The Rescued' reverdesen por el entusiasmo impregnado en ellas, en sus líricas, una bofetada para hacer reaccionar a los adormecidos. En estas primeras descargas, el sonido es conducido por el Metalcore sin hacerle mosca a la vivida atmósfera bien capitaneada por el bajo; el lado violento y temerario nos saluda en 'The Death Of Stars Like The Sun', 'Force Is Always An Option' & 'A God Reclaims His Throne', siendo en ésta última donde aparece el invitado de lujo Randall Blythe, vocalista de Lamb Of God.

Los kilobytes que recorren nuestro cuerpo al momento de escuchar este material, son incontenibles, una descarga para reaccionar. Pero entre toda esa energía también está 'Houdini Has Lost His Key' el lado ligero y cristalino, un sonido relajante que nos da la oportunidad de respirar ante tanta agitación. Si algo me conquisto de "The Mercury Lift" es la lírica que se refleja, un mensaje escandaloso que todos deben afrontar. No toca la temática aparatosa del amor, un tema muy rogón para tanta testosterona. Una vez más, el Metalcore me demuestra su valía ante las pedradas de las que ha sido víctima (algunas salidas de mi boca). Actitud que se complementa con los instrumentos.

En Conclusión :

Tal y como el interior del Jewel Case, el sonido es puro, sencillo, sin tanta maniobra y más contundencia para el mensaje que buscan propagar. Los riffs, las voces, el bajeo y los batacazos, son un yunque dirigido a tu cabeza, una reflexión obligatoria. Sean cristianos o no (guiándome por algunas lineas en 'Revenge Tastes Like Blood And Broken Teeth' y del epilogo), su música capta más la atención que la religión a la que forman parte. Al acabar de oírlo, la frase "es una pena su separación" aumentó, es evidente que había tela de donde cortar; sin duda, en este punto de su trayectoria titulada "The Mercury Left" hayamos el mejor momento de Haste. Lo sé, aun me faltan dos álbumes más por escuchar pero la simpleza de este me capturó.

  • Alineación :

    Kelly Reaves & Chris Mosley / Vocals
    Jason Burns & Nick Burns / Guitars
    Brandon Thrasher / Bass
    Jeff Gardner / Drums
  • Listado de Canciones :

    1.- With All The Pride And Dignity Of A Drowning Swimmer 3:04
    2.- Evidence Of Wasted Ink 3:44
    3.- The Rescued 3:48
    4.- Houdini Has Lost His Key 4:01
    5.- The Death Of Stars Like The Sun 4:49
    6.- Room One Thirty Four 4:11
    7.- Aspartame 2:25
    8.- A God Reclaims His Throne 3:00
    9.- Stutter 3:23
    10.- Force Is Always An Option 3:19
    11.- Revenge Tastes Like Blood And Broken Teeth 4:35
  • Destacadas : 1.4.6.7.8.
  • Calificación : 90.