Sí, en las más recientes reseñas colgadas a este espacio no ha dominado el Metal, como tiempo atrás solía pasar. ¿Se debe a un cambio de actitud? Para nada, es más amplitud. Como en ocasiones he dicho: no encajonarme en lo mismo. La siguiente cuestión es, difiriendo de lo anterior, ¿cuántas bandas escocesas conocen? Me viene a la mente Franz Ferdinand, no más. Como bien sabrán, Escocia forma parte del Reino Unido, opacado por el gigante Inglaterra. A comparación con éstos, Escocia siempre a batallado el doble.
Una de las bandas longevas de Escocia lleva por nombre Travis, y su historia empieza a hacer mella en 1990, un año antes que Oasis. Antes del nombre actual, llevaban el de Glass Onion, referencia a la canción del mismo nombre de The Beatles. En esos momentos eran una banda con propósitos y metas por cumplir, como cualquiera, que a la llegada de Niko Bolas, asociado de Neil Young y The Rolling Stones, lograron capitalizar.
El debut "Good Feeling" llegó en 1997 tras casi un año concentrados en componer canciones nuevas, el éxito fue alentador; la altura fue mayor al salir "The Man Who", material que los puso en movimiento a lo largo del mundo; manteniendo el vuelo en "The Invisible Band" que vendió más copias en cuatro semanas de lo que el anterior hizo en medio año; para "12 Memories" seguían volando alto, mostrando una de sus producciones más maduras, distintas a las anteriores; retomando su estilo característico para "The Boy With No Name" y "Ode To J. Smith" álbumes contundentes con diferencia de un año entre cada uno, últimas referencias tras tres años.
"The Invisible Band"
Por alguna razón, la portada me hizo recordar a Creedence Clearwater Revival en "Bayou Country" por el escenario tan camuflajeado. Obviamente, las diferencias existen. El motivo de dicha portada es referente a el hecho de que la música es más importante que la banda en sí. Concepto que Francis Healy con atino logro implementar en este material; desatando una simpleza consonante.
Describir y dejarme llevar por este álbum no fue nada difícil. Su sonido natural, orgánico, liviano como la brisa, me hizo rememorar porque es uno de sus materiales más exitosos. La cristalina transparencia con la que ejecutan las canciones e interpretan las letras hace de este es la feromona causante de abalanzármele. Cuando escuchas el sonido del bangio abriendo la cortina para presentar 'Sing' quedas paralizado por su vivaracho sonido y al poco tiempo tarareándola; en contraste con 'Dear Diary' de sonido más seco. El resplandor que ilumina este recorrido no se apaga ahí, sigue presente alumbrándonos con 'Side', 'Pipe Dreams', 'Follow The Light' ambas con hermosos destellos melodiosos, 'Flowers In The Window' & 'Afterglow' ésta última con un parecido a U2; sin echar de lado canciones a tenue luz de quietud no eclipsante, están 'The Cage', 'Last Train', 'Indefenitely' & 'The Humpty Dumpty Love Song' que aunque el titulo contenga la palabra amor no la excluye del trago.
El derechazo que propinó Travis fue desarrollar un sonido deslumbrante para el tiempo en que salió donde no había mucho que reconocer o galardonar. Hay que aceptar que los primeros años del nuevo milenio no trajeron buenas noticias; con sus excepciones.
En Conclusión:
Si lo que escuché de Travis me había gustado, aquí acabo por aceptar ser un adepto más de los tantos que existen. Desde la voz aliviante de Francis Healy hasta las melodías que como luciérnagas nos proponemos a perseguir y los ritmos de paciencia altisonante; "The Invisible Band" hace de un día cualquiera, un día con estela.
Personajes en la industria musical existen a montones, algunos extrovertidos como Ozzy Osbourne que aún a su longeva edad sigue siendo igual de irreverente o inadvertidos pero igual de talentosos como Camilo Wong "Chino" Moreno, uno de los vocalistas más mesmerizantes. Y así podríamos hacer una extensa lista que incluiría a Lady Gaga, Robin Williams, Michael Jackson, Pink, Gwen Stefani, James Hetfield, Abbat, etc, etc, sin apego a ningún género en especifico. Pero quien es el centro de atención esta ocasión es el británico: Thom Yorke.
Thomas Edward Yorke es el nombre correcto. Oriundo de Wellingborough, una ciudad colindante con Northampton, su primera influencia fue el guitarrista de Queen: Brian May. Su primera banda fue llamada On A Friday que después, en 1991, sería conocida por Radiohead; desde entonces sus integrantes Ed O'Brien, Phil Selway, Colin Greenwood & Jonny Greenwood eran amigos de la infancia. El apartado Radiohead lo tocaré después, cuando el momento llegue. Ahora tomaré la carrera solista de Thom Yorke la cual sólo tiene un material en sus vitrinas.
"The Eraser"
Presentado en 2006, éste álbum solista trajo los rumores de una posible separación de Thom Yorke de Radiohead, a lo cual él respondió diciendo: "Todo fue hecho con sus bendiciones". Este material presenta a un Thom Yorke artístico y excelso en todo los sentidos, luciendo su afamada voz benevolente pero al mismo tiempo vehemente bien lustrada en Radiohead. Debo confesar, que si no es por su precio módico y tardío conocimiento de Thom Yorke, esta gema no hubiera llegado a mis manos. El primer pincelazo de grandeza lo da el arte asignado al disco, de colores sobrios y elegantes como el blanco y negro, representa una ciudad abatida, sumergida, por el poder de la naturaleza; en su interior, una foto cronopia de su protagonista y compositor: Thom Yorke.
Como él mismo lo describe, "The Eraser" es "más pulsaciones y electrónica", que según describen los expertos, en la senda de "Kid A". Para mi, la experiencia fue una transfusión de energía, protones y neutrones en forma heliocéntrica, una sacudida ósea que duró por semanas. La belleza y encanto de este álbum recae en la amplitud de escenografías que presenta bien acondicionadas y modestas; nada alejado del desempeño de actos como Massive Attack o Zero 7 que bien podría hacerle competencia con 'Analyze', 'The Clock', 'Cymbal Rush' o 'Harrowdown Hill' que se prestan para reflexionar y profundizar; otras más tajantes como "Black Swan" o 'And It Rained All Night' muestran no esperanza o color alguno más que el del ritmo presente; sobria, pacifica y desinflamadora es "Atoms For Peace", inspiración para el nombre de la banda alterna de Thom Yorke.
La imponente nébula que absorbe nuestra atención da origen a nuevas ideas y sensaciones; como el nimbo en las divinidades: imprescindible. Solamente alguien con el carisma, entusiasmo y trascendencia de Thom Yorke podia crear algo de talante dominante.
En Conclusión:
Si mi gusto por la electrónica empezaba a retoñar con "The Eraser" termino por aflorar. Un disco único y sustancial que basta con sumergirnos para no emerger más. Créalo o no, pero pocas veces ha presentado estas canciones en vivo. Una razón más para remarcar.
Se esta haciendo costumbre que en este espacio presente bandas procedentes de Australia, un país que pocos toman en cuenta pero con un progreso inconmensurable en cualquier ámbito donde participen. Tiempo atrás traje a sus ojos un par de materiales de Jet, mismos que causaron una reacción favorable después de haber estado reacio hacia su música. De nueva cuenta, otra agrupación Aussie aparece erguida para seguir manteniendo bien en alto el prestigio del país.
The Vines proceden de Sydney, ciudad australiana conocida por ser cede de las olimpiadas celebradas en el 2000, madre de otras monumentales agrupaciones como AC/DC o Wolfmother. Su origen es de 1994, año en el que el grunge estaba en su máximo apogeo y del cual disfrutaban tocando covers de Nirvana en fiestas casuales. No fue hasta el 2001 que su despegue comenzó oficialmente, tras cinco años ausentes, XL Recordings produjo su primer sencillo 'Factory' en formato vinil de siete pulgadas limitadas en tiraje. Dicho sencillo se convirtió en numero uno.
En 2002 la consagración de la banda culminaría en su álbum debut "Highly Evolved" bien respaldado por la compañía disquera Capitol Records, rápida y eficazmente éste se convertiría en una reliquia de la música australiana; incorporado en la listas: "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir" y "Los 100 mejores álbumes de Australia"; de aquí se despega un sencillo 'Outtathaway' que apareció en la película "Bruce Almighty", mi primer contacto directo. Este recibimiento victorioso dio paso a que posteriores materiales surgieran, en 2004 "Winning Days", 2006 "Vision Valley", 2008 "Melodia" y lo que sera su quinta producción este 2011 "Future Primitive". Ninguno con tanta algarabía como su debut.
"Vision Valley"
Pocas bandas pueden jactarse de tener una mayoría de álbumes exquisitos, sin ninguna contrariedad o división de opiniones. En el caso de The Vines es este su disco más controvertido. En Inglaterra hay aplausos, pero otras revistas y paginas especialistas le ponen en un peldaño de mediana a baja calidad.
La introducción a esta aventura es el torbellino 'Anysound' con un sonido que nos hace romper la postura. Si algo hay en cantitades bastas es energía, siendo ésto el ancla para que no se hundan por completo; sin embargo, en canciones como 'Gross Out' o 'Fuk Yeh' no fue suficiente. Otros dos buenos cortes que fueron parte importante en la publicidad del material son 'Don't Listen To The Radio' con un sonido emotivo a lo White Stripes y 'Dope Train' otra ráfaga de buenos riffs que no sería mala idea fusionar con 'Atmos'. Por supuesto que hay baladas, el momento de tranquilidad en todo disco, aquí llevan por nombre 'Vision Valley' (donde esos ritmos me recordaron a Jet), 'Going Gone' & 'Take Me Back' (con sonido country) apetecibles baladas que bien gustaría entonar alrededor de una fogata nocturna; éstas, se llevan puntos positivos al igual que la finalización 'Spaceship' que culmina con seis minutos de ausencia tras tanto trajín.
Encontrando y formulando un balance entre ambas opiniones, llegue a la conclusión de que no es tan fatal ni tan dotado como lo proponen las partes. Lo que me llega a complacer es el carácter frontal y arrollador que en su entorno logran crear, recargando las baterías del cuerpo más inmóvil; lo que me parece el lado negativo es la poca mano de obra que tienen algunas de las canciones, siendo muy cortas y pasajeras como si fueran una más para completar la lista, caso de 'Nothing's Coming', 'Futuretarded' o 'Candy Daze'; ni que decir de la lírica de poca lucidez.
En Conclusión :
Hizo falta el elemento que encendiera el caldero para ebullecer esta propuesta nada despreciable. Tal vez hicieron falta más solos dopantes o atmósferas alucinantes, sea lo que sea, este no es todo el potencial de The Vines. No quiero creer que todo el tonelaje lo dieron en un solo disco.
¿Qué decir cuando todo lo han hecho? Es la pregunta que se formula en mi mente al tratar de iniciar esta reseña. Y es que Deftones, es una de las bandas de grandes ligas más apreciadas y explicitas del orbe; no conozco una banda que continúe con la condición y diversidad que ellos presentan. Hace poco estuvieron en México, un agasajo para quien estuvo allí; hace ya algún tiempo, traje a su vista la reseña de "Diamond Eyes" un diamante invaluable. En esta ocasión, y evitándome la presentación que hice tiempo atrás, doy pie a narrarles como es que "Saturday Night Wrist" volvió a ser mi vigía.
¿Por qué vigía? Porque solamente al escuchar alguna de sus innumerables canciones me siento protegido, custodiado, como si estuvieran ahí para salvar mi pellejo. Si alguna de las personas que leen esto, han llegado a sentirse abatidos, solos, pero al momento de aparecer Deftones el panorama se vuelve más lucido, sabrán a qué me refiero. Pocas veces se encuentran producciones como estas en la ciudad donde vivo y si se encuentran, desaparecen en corto tiempo. Al llevarlo, recordé la división de comentarios referentes al material; un amigo me había comentado que no era su mejor disco, mientras las opiniones publicas le ponían en un peldaño de galardón. Quería escucharlo y formular mi propia resolución.
Y la distorsión que viene al abrirse la puerta en 'Hole In The Earth' me hizo pensar en un triunfo más. Confirmado con el desarrollo de la canción, el poeta del escape: Camilo Wong "Chino" Moreno da gala de paciencia atada a la implosión de sus quebrantadores gritos, mismos que nos perturban en 'Rapture' & 'Rats!Rats!Rats!'; de las más frontales del álbum. A diferencia de "Diamond Eyes", "Saturday Night Wrist" es más extenso lo cual extiende el terreno para improvisar e innovar, objetivo logrado en 'Beware', 'Xerces' & 'Cherry Waves' corrientes que arrojan tranquilidad y refrescan el andar del material.
¿A colaborado algún otro músico en sus producciones? Sí, y para quienes ignoren el número de veces han sido 4; siendo los más conocidos: Maynard James Keenan, vocalista de Tool invitado en "White Pony" & Serj Tankian, vocalista de System Of A Down invitado aquí, participando en 'Mein' haciéndolo un par de veces de manera anecdótica; otra invitida es Annie Hardy, multinstrumentalista de la banda Giant Drag en un entorno muy electrónico, muestra de los terrenos que llega a pisar Deftones. Otra peculiaridad que expone este material es 'U, U, D, D, L, R, L, R, A, B, Select, Start', primera canción instrumental en su carrera y cuyo nombre es el código de un videojuego de Konami.
La alineación de lujo desde "Around The Fur" aparece una vez más con un pintoresco y profundo sonido propio, marca registrada desde comienzos del nuevo milenio tiempo en el que despegarían a altitudes donde aún descansan: las siete/ocho cuerdas de la guitarra de Stephen Carpenter, la facética voz del "Chino", el golpeteo de Abe Cunningham, el eco de la caja de pandora de Frank Delgado y los ritmos que marca Chi Chen con su bajo. Triste fue la noticia del accidente automivilístico que lo apartaría físicamente de las grabaciones.
En Conclusión :
Las adversidades, tropiezos y descalabros ayudan a cimentar personalidades, cualidad que una amplia mayoría pasa de largo; ventaja que Deftones aplica a su música y letra, haciendo del trago amargo el lixir de la vida. "Diamond Eyes" es un joya, "Saturday Night Wrist" es el borrador que pulieron y tallaron para un nuevo cambio de juego. En lo que respecta a popularidad, "White Pony" es primer lugar, en lo que respecta a progreso y prominencia, éstos dos últimos son el brillo de la corona.
Por cierto, el séptimo álbum de estudio, sigue pospuesto. La recuperación de Chi Cheng aún no es la óptima para todo lo que requiere la promoción de dicho material. Para quien guste visitar el link creado para recaudar fondos y leer noticias recientes, lo incluiré entre los de MySpace y YouTube. ¡Pronta sea tu vuelta a los escenarios, Cheng!.
Muertes en el medio musical ha habido muchas, unas impactan más que otras. Si nos vamos al medio comercial tenemos el caso de Selena o en el Grunge con Kurt Cobain, ambas sacudieron a muchos. En lo que respecta al Metal, están las de Cliff Burton, Dimebag Darrell y Randy Rhoads que aun hoy siguen conmoviendo por la forma en que se fueron. Dentro del Black Metal está la de Euronymous asesinado a manos de Varg y Valfar, dos de las que estoy enterado.
Éste último formaba parte de Windir y murió por hipotermia en 2004 a causa de una nevada cuando se dirigía con su familia, la decisión tomada posteriormente fue de acabar con el proyecto. Ese mismo año, 2004, uno nuevo surge: Vreid, Ira en noruego, el cual cuenta con tres ex-miembros: Hváll, bajista; Steingrim, baterista y Sture, vocalista/guitarrista más la incorporación de un segundo guitarrista: Ese; así, su debut llegó con "Kraft" en la misma linea de tiempo.
La muerte de Valfar pareció no haber afectado en lo musical. El éxito obtenido fue positivo ratificado en discos como "Pitch Black Brigade" de 2006, "I Krig" de 2007 y "Milorg" de 2009; su sonido definido por algunos como Black 'N' Roll en su recién producción "V" dio un giro para tornarse más Melódico. No obstante, siguen en el agrado del pelotón.
"I Krig"
A diferencia de Windir, si han podido notar, Vreid abarca temas de guerra; contrario a los primeros, donde la mitología era su bastión. El estilo de Windir era combinado con el Folk, el cual conquistó a una favorable mayoría; Vreid, utiliza una formula que a cooperado con actos de la talla de Entombed o Gorefest: Rock and Roll + Metal. Después de conocerlos mejor, bien valía la pena invertir mi dinero en ellos.
El inicio de la batalla, momento culminante, aquello por lo que te preparas, da inicio de manera conmemorativa en 'Jarnbyrd' la ceremonia que anuncia la voluntad de abrir fuego. Con una duración que rosa los siete minutos y un sonido convincente, no es la única brecha extensa que tendremos que recorrer, más adelante aparece 'I Krieg' con la pesadumbre que provocan los violines al inaugurarla; éstas dos, encierran con amplitud el malevolente y fúrico sonido del Black Metal.
El lado de unidad y coreografías espontáneas llegan al oído en 'Under Isen' con mucho folclore en medio de la guerra. Un momento de calma. Hora de seguir el asalto y tomar nuestras armas para aplastar a nuestros contrincantes en 'Væpna Lengsel', un sonido semejante al de Satyricon en su época rockera, y 'Folkefiendar' con inmensa violencia y fervor nos invita a ser despiadados. La definición de esta avasallante embestida llega con 'Millom Hav Og Fjell' despedida póstuma para los caídos.
Lo que bien se aprende jamas se olvida, dicho que embona con certeza al escuchar como se compenetran para ejecutar Black Metal, la malicia es inagotable y los serenos arrullos entre ella hacen que el campo de batalla sea el himno de las golondrinas.
En Conclusión :
Definirlos con exactitud es complicado. Su desempeño muestra cualidades típicas del Black Metal, como lo enigmático aunque del Folk y Rock no se olvidan. No estaría fuera de lugar llamarlos Proto-Black, actuaciones como estas no se presentan seguido; por mucho que me recuerden a Satyricon. Supieron fusionar correctamente el pasado que los envuelve con Windir a esta nueva campaña bélica. ¿Vale la pena, el tiempo y dinero? Sí, experiencias con su diversidad no se encuentran comúnmente.
